음악 미학은 음악 예술의 전반적인 높이에서 음악의 본질과 내적 규칙성을 연구하는 기초 이론 학문입니다. 음악 미학은 일반 미학, 음악 기술 이론, 음악사, 음악 비평 및 기타 학문과 밀접한 관련이 있으며 음악 미학의 발전과 심화는 종종 이러한 분야의 결과와 분리되어 영양분을 끌어낼 수 없습니다.
(2) 대상
음악 미학은 연구 대상에 있어서 위의 분야와 다릅니다. 일반 미학은 예술을 인간의 미의식의 집중된 표현으로 보고 예술 전체의 본질과 보편적 법칙을 연구하는 반면, 음악 미학은 음악을 특수한 종류의 예술로 보고 그 특수한 본질과 법칙, 음악 기술 이론(예: 화성 음향학, 대위법, 형식주의, 오케스트레이션 등)을 연구합니다. 음악 창작의 기술과 음악 창작의 구체적인 기준을 연구하는 반면 음악 미학은 음악 전체를 다루고보다 일반적인 관점에서 그 본질과 법칙을 검토합니다; 실제로 음악 비평은 특정 음악 현상을 분석 및 논평의 대상으로 삼는 반면 음악 미학은 음악 비평의 이론적 전제 조건을 제공하기 위해 음악 전반에 대한 근본적인 이론적 학문 연구를 수행합니다.
(3) 연구 관점
음악미학 연구는 철학, 심리학, 넓은 의미의 사회학, 음악 작품 자체의 미학적 특성 등 다양한 관점에서 수행될 수 있습니다. 음악과 예술에 대한 철학적 연구에는 주로 다음과 같은 질문이 포함됩니다. 음악의 본질은 무엇인가? 음악의 내용은 무엇인가? 음악과 현실의 관계는 무엇인가요? 등등. 이러한 질문은 철학적 인식론과 매우 밀접한 관계가 있으며, 근본적인 문제이며 음악 미학에서 가장 먼저 논의해야 할 문제입니다. 음악 창작, 연주 및 감상의 심리적 과정은 무엇인가와 같이 심리적 관점에서 음악 예술을 연구할 때 답해야 할 질문은 무엇인가요? 사람은 실제로 음악을 어떻게 느끼나요? 음악은 청취자에게 어떤 영향을 미치는가20 세기 이후 심리 과학의 발전은 심리적 측면에서 음악을 연구하기위한 자연 과학의 토대와 전제를 제공했으며 새로운 분야로서의 음악 미학 연구의 길을 열었습니다. 광범위한 사회학적 관점에서 음악과 예술을 연구하는 것은 음악의 사회적 기능, 음악의 가치 기준, 음악의 계급적 요소, 음악의 지속성과 계승 등 일련의 문제를 포함한다. 음악 작품 자체의 미학적 특성에 대한 연구에는 음악 작품의 구조, 다양한 구성 요소의 본질적 특성 측면에서 음악의 미학을 검토하는 등 일련의 문제가 포함됩니다.
사람들은 위의 다양한 관점 중 하나에서 음악 미학을 연구할 수 있지만, 음악 미학은 과학으로서 그 자체로 완전한 체계를 갖춘 전체여야 합니다. 음악 작품의 철학적, 심리적, 사회학적, 미학적 특징을 연구하며 이들 사이에는 깊은 내재적 연관성이 있습니다. 한 측면만 강조하고 다른 측면의 연구 가치를 평가절하하거나 심지어 부정하는 것은 잘못된 것입니다. 위의 네 가지 측면의 귀중한 결과를 결합해야만 전체적으로 완전한 음악 미학이 형성될 수 있습니다.
(4) 역사적 발전
음악미학이라는 개념은 18세기 말 독일 음악학자들의 저술에서 이미 등장했습니다. 독립된 학문으로서 19세기 후반에 유럽에서 점차 확립되었습니다. 한 세기 이상의 탐험 끝에 일반 미학과 음악학의 중요한 분야가 되었습니다. 그러나 여러 나라의 음악가들은 음악의 본질, 아름다움, 사회적 기능, 가치 기준과 같은 기본적인 문제에 대해 오랫동안 고민하고 탐구해 왔습니다. 동양이든 서양이든 그 역사는 고대로 거슬러 올라갑니다. 고대 중국 음악 미학 사상 고대 중국 음악 미학 사상의 기원은 선사 시대로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 고대 문헌의 자료는 우리 조상들이 음악에 대한 미의식을 가지고 있었을 뿐만 아니라 음악의 기원과 기능에 대한 다양한 상상력을 가지고 있었음을 보여줍니다. 그들은 음악이 자연, 바람, 공기의 모방에서 비롯되었으며, 그 기능은 인류가 자연을 정복하고 적을 물리치는 데 도움이 된다고 믿었습니다. 당시 이러한 모든 사상은 종교와 신화의 형태로 나타났으며, 이는 이후 문명 사회에서 음악 사상의 모태이자 싹이 되었습니다.
장자는 우주의 음악 법칙과 자연의 법칙이 서로 연결되어 있고 일관성이 있다고 믿었습니다. 자연 자체에는 리듬, 운율, 화성, 화음 등 음악의 많은 요소가 포함되어 있습니다. 따라서 장자가 보기에 음악도 자연의 설계도를 바탕으로 만들어졌고, 설계도는 모형보다 좋을 수밖에 없으며, 자연의 아름다움은 인공의 아름다움보다 좋을 수밖에 없으므로 소리가 없는 음악은 소리가 있는 음악보다 높을 수밖에 없습니다. 이것이 바로 '행복 없는 행복'의 의미일 것입니다. 고대 유럽에서 중세까지의 음악 미학 고대 유럽의 음악 미학은 이미 기원전 5세기경 고대 그리스에서 상당히 발달했습니다. 여기서 우리는 서양에서 현대 음악 미학 발전의 가장 초기의 태동과 싹을 볼 수 있습니다.
피타고라스는 음악과 수 사이의 관계, 현의 길이와 음량 사이의 비례를 탐구하는 데 지울 수 없는 공헌을 했습니다. 그러나 숫자를 음악의 본질로 해석하고 천체의 움직임에 의해 형성된 들리지 않는 우주 음악의 존재를 강조한 그의 주장은 객관적 이상주의이자 신비주의에 가까웠습니다. 고대 그리스에서 노예제도가 번성하던 시기에는 음악의 본질에 대한 이해가 아날로그 이론에 의해 지배되었습니다. 사상가들은 일반적으로 음악을 다른 예술과 마찬가지로 시뮬레이션으로 보았지만, 차이점은 다양한 예술이 시뮬레이션할 대상이 다르다는 것이었습니다. 헤라클레이토스(BC 540~480)와 데모크리토스(BC 460~370)와 같은 유물론자들은 일반적으로 음악적 시뮬레이션의 대상을 자연의 실제 사물(예: 새소리)로 이해했고, 객관적 이상주의자 플라톤(BC 428~347)은 음악적 시뮬레이션의 대상은 현실 세계이지만 이 현실 세계는 관념 세계의 파생물 또는 그림자에 불과하며 음악은 관념 세계의 파생물 또는 그림자에 불과하다는 것을 인정했습니다. 플라톤(기원전 428~347년경)은 음악적 시뮬레이션의 대상은 현실 세계이지만 이 현실 세계는 관념 세계의 파생물 또는 그림자에 불과하며 음악은 '그림자의 그림자'에 불과하다는 것을 인식했습니다. 플라톤의 공헌은 음악의 사회적 기능을 강조하고 음악이 인간의 영성과 도덕성에 미묘한 영향을 미칠 수 있다고 믿었다는 점입니다.
플라톤은 음악을 오락의 한 형태로서 거부하고 자신의 '이상 국가'를 위한 시민 훈련의 중요한 수단으로 선호했습니다. 플라톤의 제자 아리스토텔레스(BC 384~322)는 음악을 인간의 정서적 삶과 연관시켰습니다. 그는 음악이 인간의 다양한 감정 상태를 모방할 수 있을 뿐만 아니라 음악이 인간의 감정과 마찬가지로 움직임의 과정이기 때문에 이러한 능력을 가지고 있다고 지적했습니다. 그는 음악의 도덕적-교육적 기능과 레크리에이션 기능을 모두 인정하면서 음악은 사람들이 정신적 쾌락을 누리고 마음을 정화하며 여가의 즐거움을 창출할 수 있게 해준다고 주장했습니다. 음악의 도덕적, 윤리적 기능을 강조한 위의 이론은 '에토스 이론'으로 알려지게 되었습니다.
아리스토텔레스의 제자였던 아리스토텔레스(기원전 4세기)는 전임자들과 결별하고 고대 그리스에서 음악의 미학을 제시했습니다. 그는 숫자를 음악의 본질로 이해하는 담론적 태도를 거부하고 음악의 감각적, 청각적 본질의 중요성을 강조했습니다. 그는 감각과 기억을 음악 이해의 두 가지 요소로 삼기도 했습니다. 이러한 방식으로 아리스토텔레스는 당시 음악 미학 연구의 새로운 방향을 제시하고 심리학적 관점에서 음악을 연구하는 선구자가 되었습니다. 노예제 사회가 쇠퇴하던 시기에 아토스의 이론은 일부에 의해 거부되었습니다. 이러한 경향은 엠피리쿠시(기원전 2세기)와 필로데무스(기원전 1세기)의 작품에서 분명하게 드러납니다. 이들은 음악이 인간의 감정과 영적 자질을 표현하지도 않고 도덕적, 윤리적 기능도 전혀 없다고 주장하며 아에토스의 이론은 명백한 오류라고 주장했습니다. 엠피리가 보기에 음악은 인간의 정서적 삶에서 일시적인 완충 역할을 할 뿐입니다. 기독교 사상을 정신적 근간으로 삼은 중세 유럽의 음악 미학 사상은 고대 그리스의 일부 사상을 흡수하여 종교적 세계관의 요구 사항에 맞게 왜곡하고 변형하여 고대 그리스 음악 사상의 귀중한 업적 중 많은 부분을 폐기하거나 약화 시켰습니다. 이러한 경향은 초기 기독교 사제였던 성 아우구스티누스(354~430)의 작품에서 분명하게 볼 수 있습니다. 그는 고대 그리스의 수 이론을 음악의 기초로 삼아 음악의 정서적 기능과 오락성을 인정하면서도 동시에 음악이 사람들을 세상의 악한 생각에서 해방시키고 영혼을 정화하며 종교적 감정을 심화시켜야 한다고 믿었습니다. 이러한 경향은 로마의 사상가 A . 음악을 심도 있게 연구한 M.S 포이세유도 그의 작품에서 이러한 경향을 확인할 수 있습니다. 중세 경전 신학자들은 음악의 내용이 객관적인 현실 세계나 이상적인 사고의 세계와는 무관하고 저편에 있는 신과 관련이 있다고 믿었습니다. 그들이 보기에 음악의 뿌리는 신이었으며, 음악의 아름다움은 신이 이 대상에 남긴 흔적, 즉 신 자신의 본성을 반영한 것이었습니다. 음악에서 흘러나오는 감정은 신에 대한 진실한 믿음, 지상 세계의 저편에 대한 동경, 지상의 고통에 대한 인내일 수밖에 없었습니다. 이러한 관점은 중세 음악에 대한 지배적인 관점의 중심이 되었습니다.
음악 미학 발전의 전환점이 된 이 시기를 편집했습니다. 위나라와 진나라 이후 중국의 음악 미학 발전은 중국 음악 미학 사상의 뚜렷한 전환과 함께 시작되었습니다. 사람들은 더 이상 음악의 기원, 본질, 특성, 기능에 대한 일반적인 고찰에 만족하지 않고 음악 자체의 법칙과 각 특정 분야(구진, 성악, 오페라 등)의 특정 법칙에 대한 심도 있는 연구로 전환했습니다. . 이 변화의 초기 대표자는 지강과 그의 두 가지 걸작 인 "애도없는 소리와 음악 이론"과 "축복받은 지터"였습니다. "음악없는 소리"의 주요 관점은 음악에 인간의 감정적 내용이 있다는 것을 부정하고, 음악의 본질은 단순성, 복잡성, 높이, 편안함, 질병과 같은 소리의 형태에만 있으며 음악의 아름다움은 음악 소리로 구성된 형태의 아름다움이라는 것입니다. '음악 없는 소리 이론'의 일반적인 경향은 음악 예술의 독립성을 강조하고 음악과 사회 정치 사이의 관계를 부정하는 것입니다. 이러한 경향은 이상주의에 속하지만 예술적 자기 인식에 관한 위나라와 진나라의 추세와 일치합니다. 동시에 진나라와 한나라 이래 지배적이었던 유교에 대한 일종의 반란이기도 합니다. 그것은 역사적 합리성을 가지고 있습니다. 푸친의 관점은 기본적으로 '음악 없는 소리'라는 이론과 일치합니다. 이 글에서 지강은 진나라 음악의 조화와 형식의 아름다움을 생생하게 묘사하고 있는데, 이는 그의 '음악 없는 소리'의 구체적인 이미지로 볼 수 있습니다.
위나라와 진나라 이후 중국 음악 미학 발전의 무게 중심은 점차 진나라 분야로 옮겨갔습니다. 진나라 미학 역시 중국에서 일찍 시작되었습니다. 한나라 시대에는 이미 진나라에 관한 많은 장이 있었습니다. 예를 들어 류샹의 진서(秦朔), 양슝의 진청영(秦淸英), 차이융의 복금(福琴), 환탄의 진도편(秦道片) 등이 있습니다. 하지만 대부분 체계적이지 못했습니다. 당시 피아노에 대한 연구는 아직 임신 단계에 있었습니다. 진나라 미학의 진정한 토대는 당나라와 송나라에 있습니다. 진사』의 첫 번째 사본은 제(742-756)의 작품으로 간주할 수 있습니다. 주(周)의 진사(1041~1100)에 따르면, 이 책은 * * * 7개의 기사로 구성되어 있는데, 그 전문은 지금까지 전해지지 않고 일부 단편만 남아 있습니다. 이 단편들에는 "옛 신하들은 사물을 보고, 또는 감정을 보고, 또는 마음을 표현하기 위해 아이러니를 보고, 또는 뜻을 표현하기 위해 분노를 보고, ......"라고 언급되어 있는데, 이는 미학 정신의 핵심을 기록하는 데 집중한 진나라의 글쓰기 방식을 반영한 것입니다.
송나라 문헌 중에서는 주나라의 '진사'가 가장 야심차게 쓰였지만, 전통을 깨는 관점은 거의 없습니다. 진에 대한 연구를 미학적 안목으로 바라본 획기적인 저술은 북송의 피아니스트 청유(1111~1165438년)의 '진에 관한 논고'입니다. 주요 내용은 다음과 같습니다.
①"피아노를 연주하는 방법은 주로 만족에 있다"는 견해는 분위기 이론의 선구자라고 할 수 있습니다.
둘째, 우아함, 조화, 단순함, 자연스러움, 생생함과 같은 피아노 예술의 미적 원칙을 제시했습니다.
(3) 선곡에 있어서는 '경박함'과 '너무 경직된 것'을 모두 반대했으며, '질적이지만 거칠지 않고, 문학이지만 역사가 아닌 것'만이 정상에 오를 수 있다고 믿었습니다.
④진을 연주하는 수양을 논할 때는 유교, 도교, 불교를 결합할 필요가 있습니다. 예를 들어 "진을 연주하는 것은 명상과 같다"는 식입니다. 청유 이후 명나라와 청나라에 이르기까지 진나라에 대한 수많은 작품이 등장했습니다. 그 중 가장 대표적인 것은 송나라 류지(劉志)의 '진미술장'(생몰연월일 미상), 원나라 천민지(陳敏之)의 '진파귀'(1314~1320년생), 명나라 이지(1527~65438+)의 '진파귀' 등이다.
명나라와 청나라에서 중국 칠현금 음악의 미적 특징과 업적을 가장 잘 구현한 작품은 명나라 말기 피아니스트 쉬상잉의 □산진애(□Shan Qin Love)입니다. 이 작품의 주요 공헌은 당나라와 송나라 이래의 분위기 이론을 발전시킨 것입니다. 24개의 스타일과 거문고의 영역으로 구성된 이 작품의 주요 주장은 다음과 같습니다: (1) '의미'의 지배적인 역할의 중요성을 강조합니다. 분위기에는 감정과 풍경뿐만 아니라 이성과 신도 포함되어 있으므로 '분위기'는 '의도'의 지배 아래 감정, 이성, 형태, 신의 통일이라고 할 수 있다고 믿습니다. 분위기는 무한성(피아노의 무한한 풍미), 심오성(심오한 의미), 초현성(초현성 이상의 것)의 특성을 가지고 있으며, 음악 이미지의 깊은 구조입니다. 분위기의 획득에는 상상력(즉, '신성한 여행')이 필요하며, 상상력 없이는 분위기가 존재할 수 없습니다. 진나라 논서에 이어 진산시는 중국 전통 진나라 미학 이론의 거의 모든 업적을 포괄하는 진나라 미학의 걸작입니다. 중국 전통 음악 미학에는 진나라 미학 외에도 공연 미학과 노래 미학의 사상이 포함됩니다. 그의 초기 작품 중 하나는 원나라의 지안(생년월일 및 사망일 미상)의 <노래론>입니다. 그 뒤를 이어 명나라의 위량푸(6세기 중반 활동), 왕기데의 방주관(1573~1627년 활동), 청나라의 쉬다춘(1744년경 활동)의 레푸주안(1744년경 활동)이 그 뒤를 이었습니다. 중국 전통 노래 이론은 응용 미학이 특징입니다. 대부분 음정, 운율, 박자 및 행간과 같은 기교와 장인 정신의 문제입니다. 체계적인 미학 문제는 흔하지 않지만 여전히 많은 귀중한 통찰력이 있습니다. 중국 공연 미학은 목소리의 매력과 형식에 큰 관심을 기울일 뿐만 아니라 노래는 내용에서 출발하고 감정에 따라 움직이며 목적이 있어야 한다는 점을 강조하는 등 중국 전통 미학의 정신을 엿볼 수 있습니다. 유럽 르네상스 이후 음악 미학의 발전은 거의 천 년 동안 유럽을 지배했습니다. 15세기와 16세기 인문주의가 발전하면서 기독교 경전 음악 사상이 흔들리기 시작했습니다. 신 인본주의 세계관을 가진 학자와 음악가들은 고대 그리스 문화를 부활시킨다는 기치 아래 고대 그리스 아날로그 이론을 음악적 전망의 기초로 삼아 이 이론에 새로운 이론적, 현대적 내용을 부여했습니다. 이는 종교 신학과 음악적 전망의 제약을 극복하고 신흥 시민 계층의 세속적 현실, 특히 그들의 정서적 삶을 음악적 시뮬레이션의 광범위한 대상으로 삼았다는 사실에서 드러납니다. 음악가 갈릴레이는 음악가들에게 시장에 가서 다양한 사람들의 삶을 관찰하고 그들의 다채로운 음색과 표현적인 소리에 귀를 기울이라고 과감하게 조언했습니다. 인문주의 음악가들은 신학적인 세계관의 영향에서 완전히 벗어날 수는 없었지만, 음악은 "사람들의 열정적인 마음의 표현"이라고 주장하며 인간의 존엄성과 감정을 음악의 중심에 놓기 시작했습니다. 이러한 음악적 사고는 르네상스 음악 창작에 지대한 영향을 미쳤습니다. 이 시기의 음악가들은 음악 기법 연구에 전념했고, 그 중 G. 잘리노가 기여했습니다. 잘리노는 이와 관련하여 기여했습니다.
17세기와 18세기 독일에서는 음악 미학의 '열정 이론'이 발전했습니다. 이것은 지속적인 발전의 새로운 역사적 조건에서 르네상스 인문주의 음악 개념으로, 유럽 바로크 시대의 음악 창작에 직접적인 영향을 미쳤습니다. 대표적인 인물로는 마플(1718~1795)과 술저(1720~)가 있습니다. 이들은 음악을 모든 종류의 정신적 동요, 마음속의 모든 의도를 묘사하고 모든 종류의 인간적 열정을 표현하는 예술로 여겼습니다. 그들은 음악의 목적이 인간의 보편적인 감정을 표현하는 것임을 강조하고 인간의 마음에서 음악의 역할을 인정했습니다. 이 이론은 17세기 프랑스에서도 발전했는데, 멜서(M. Melcer, 1588~1648)가 대표적입니다. 그는 음악이 인간의 생각과 감정의 구현이라고 믿었을 뿐만 아니라 음악이 인간의 영성과 도덕적 정서에 긍정적인 영향을 미친다고 인정했습니다. 18세기 후반 부르주아 계몽주의가 발전하면서 프랑스 백과사전주의자들의 사상도 음악 사상 분야로 구체화되었습니다.J.-J . 루소 (1712 ~ 1776), J . 르 달랑베르 (1717 ~ 1789), D . 디드로 (1769). 이들은 독일의 정열 이론과 마찬가지로 음악을 인간의 감정과 열정의 표현으로 강조했습니다. 계몽주의 시대에는 음악의 사회적 기능에 대한 그들의 이해가 더욱 합리적으로 발전했습니다. 나중에 프랑스 계몽주의의 영향을 받은 L. 판 베토벤은 음악을 포함한 모든 예술을 진실한 감정을 확인하는 과정으로 볼 것을 요구했습니다. 그는 음악이 인류를 더 높은 영역으로 인도할 수 있는 영적 계시라고 믿었습니다.
18세기 말에는 독일에서 칸트(1724~1804)의 음악 사상(『판단력 비판』, 1790)이 등장하여 이후 서양 음악 미학의 발전에 중요한 영향을 미쳤습니다. 칸트는 일반적으로 음악에 감성적 요소가 포함되어 있다는 것을 부정하지는 않았지만, 자신의 철학적 미학 체계에서 순수 기악 음악의 내용적 요소를 배제하고 보여줄 것이 없는 무의미한 목적적 형식이라고 보았기 때문에 음악 예술의 이념적 가치와 사회적 기능이 평가 절하되었다는 결론을 내릴 수밖에 없었습니다. 칸트의 음악 사상은 이후 형식적 음악 미학의 발전의 길을 열었고, 19세기 전반에는 낭만주의 음악 미학 사조가 음악 사상 분야를 지배했습니다. 낭만주의 음악가들은 표현 예술로서의 음악을 강조했고, 감정과 환상을 음악 예술의 중심 요소로 숭배했으며 심지어 이성보다 더 중요하게 여겼습니다. 그들은 자신의 감정을 포함한 자신의 가치를 높이 긍정했으며, 낡은 정신적 속박을 깨고 개성을 더욱 발전시키고 해방시킬 것을 강력히 요구했습니다. 그들은 음악을 이러한 정신적 경향을 널리 발전시킬 수 있는 가장 이상적인 분야로 여겼습니다. "감성적 미학"으로 알려지게 된 이 미학적 개념은 R. 슈만(음악과 음악가), 특히 F. 리스트(베를리오즈와 그의 해롤드 교향곡, 1850)의 음악 비평에 명확하게 반영되어 있습니다. 리스트의 음악 미학에 지대한 영향을 미친 것은 헤겔(G.W.F Hegel, 1770~1831)의 미학 사상입니다. 헤겔의 음악관은 객관적 이상주의라는 철학 체계에서 파생되었는데, 그는 추상적이고 전적으로 비인격적인 감정의 내면만이 음악의 유일한 영역이라고 강조했습니다(미학 강의). 감정적 내용을 강조한 낭만주의 음악 미학은 19세기 중반 리스트의 작품에 크게 반영되었고, 한슬릭(e. Hanslick)으로 대표되는 음악 미학 사상의 영향을 강하게 받아 음악 미학 분야에서 내용 미학과 형식 미학이 뚜렷하게 대립하는 양상을 형성하게 됩니다. 또한 이 시기에는 음악 미학이 철학 및 일반 미학에서 분리되어 독립적인 학문으로 자리 잡기 시작했습니다. 한슬릭의 선구자인 헐바르트(1776~1841)는 이미 1930년대 초에 음악이 감정을 형식적으로 표현할 수 있다는 주장을 펼쳤습니다. 한슬릭은 <음악의 아름다움에 관하여>(1856)에서 이 아이디어를 더욱 발전시켰습니다. 그는 감정 표현은 음악의 기능이 아니며, 음악의 아름다움은 외부 내용에 의존하거나 필요로 하지 않는 아름다움이며, 음악은 음악을 넘어서는 관념의 범위와는 아무런 관련이 없다고 주장했습니다. 그의 최종 결론은 음악의 내용은 단지 음악적 움직임의 형식에 불과하다는 것이었습니다. 한슬릭의 낭만주의 감성 미학에 대한 비판은 이러한 이론적 전제를 바탕으로 합니다. 형식이 본질이라는 이 미학 이론은 곧 R . 폰 짐머만(1824~1898)(<형태의 과학으로서의 일반 미학>, 1865)에 의해 음악을 포함한 모든 예술에 철저하게 적용되었습니다.
한슬릭의 형식 미학은 19세기 후반에 내용 미학에 의해 격렬하게 반대되었습니다. 당시 내용 미학파에 속하는 대표적 인물은 A.W . Ambrose, A.B . Max, f . 폰 하우저그 등이었습니다. 1856년에 암브로즈의 <음악과 시의 경계>, 1859년에 막스의 <베토벤 전기>, 1885년에 하우저르의 <표현으로서의 음악>이 출판되었고, 이후 H . 크래츠슈마(1848~1924)는 위와 다소 다른 관점을 취했습니다. 그는 형식적 요소 분석의 중요성을 강조했지만, 음악에 정서적 내용이 있다는 것을 인식하는 맥락에서 음악을 해석하려고 노력했습니다. 그는 음악 해석학의 창시자로, 1902년 그의 저서 <음악 해석학 연구>가 출판되었고, 이후 독일의 음악학자 F.M. . 가츠는 18세기 말 이후 유럽에서 제기된 음악 미학에 대한 여러 견해의 차이를 타자 규정론과 자기 규정론이라는 두 가지 대립되는 학파로 요약했습니다(<음악 미학의 주요 학파>, 1929).
20세기 초에 큰 영향을 끼친 리만은 이 과도기를 대표하는 인물입니다. 그의 견해는 절충주의적인 경향이 있었는데, 어떤 종류의 음악에는 비음악적 내용이 있는 반면 다른 종류의 음악에는 그렇지 않다는 인식에서 알 수 있듯이 그는 음악을 표제 음악과 절대 음악으로 나누고 후자를 더 높은 종류의 음악으로 간주했습니다. 리만의 관심은 심리적 관점에서 음악 미학을 연구하는 데 더 집중되었습니다. 그의 연구 대상은 주로 음악 작품을 느끼는 청각적 지각이었습니다(『음악 미학의 원리』, 1900). 그러나 리만의 절충주의적 경향은 형식의 미학(자기 규제)과 내용의 미학(타자 규제) 사이의 대립을 제거하지 못했습니다. 리만 이후에는 a.o . 할름(음악의 두 문화, 1913), 울프(음악의 자율 조절 미학의 기초, 1934), 작곡가 I.F . 스트라빈스키 (. 또한 a. 셸링거(음악 작곡과 음악 청취의 육성, 1911), E. 소란틴(음악적 표현, 1932), 이후 D. 쿡(음악의 언어, 65438+) 등이 있습니다. 현대 중국 음악 미학 사상 중국 역사가 현대에 접어든 후, 특히 5.4 운동 이후 음악과 예술 분야는 현대 혁명적 사고의 영향을 받기 시작했습니다. 왕광치와 같은 당시의 음악 이론가들은 다양한 정도의 민주적 경향을 보였습니다. 왕광치는 다음과 같이 주장했습니다.
음악은 민족 생활의 표현이며 민족적 특성을 가져야 합니다. 따라서 중국 민족 음악은 고대 중국 음악과 민요(유럽의 음악적 진화)를 기반으로 해야 한다.
음악은 일부 지식인의 감정이 아닌 인간의 감정을 표현해야 합니다.
3) 음악의 사회적 기능을 강조하면서 음악의 사용은 중국 민족의 근본 사상을 불러일으키고 문화 부흥 운동을 완성할 수 있다고 믿었다.
④ 중국에서 새로운 음악을 건설하는 데에도 서양 음악의 과학적 방법을 활용할 필요가 있었습니다. 한편, 5월 4일 이후 서양의 낭만주의와 표현주의 음악 미학도 중국에 영향을 미치기 시작했습니다.
음악 이론가 주칭의 사상이 대표적입니다. 그는 음악의 본질, 내용, 형식, 창조, 표현, 기능 등 일련의 음악 미학 문제를 체계적으로 설명한 <음악론>과 <음악총론>을 저술했습니다. 그의 명제는 음악은 "영혼의 언어" 또는 "영혼의 세계 언어"(즉, "상위 세계의 언어")이며, 음악은 마음의 표현이며 주관적인 창조물이며 인간의 마음을 향상시키는 기능을 가지고 있다는 것입니다. 음악은 마음의 표현이자 주관적인 창작물이며 인간의 마음을 향상시키는 기능을 가지고 있습니다. 음악의 정서적 내용을 중요시하는 동시에 음악의 사상적, 정신적 성격과 창작에 대한 삶의 경험의 중요성을 강조합니다. 그것의 단점은 음악의 민족적 특성을 무시했다는 것입니다.1930 년대 이후 프롤레타리아 혁명 음악의 선구자 중 시안 싱해는 마르크스주의의 관점에서 음악의 문제를 관찰하려는 최초의 음악가 중 한 명이며, 1930 년대 후반에 그는 중국 음악의 민족적 형태에 관한 것과 현 단계에서 중국 신 음악 운동의 몇 가지 문제와 같은 일련의 에세이를 썼습니다. 중국 민속 음악과 대중 음악, 그리고 국가적 음악 형식을 어떻게 바라볼 것인가에 초점을 맞췄습니다. 이들의 제안은 대체로 다음과 같습니다.
①중국 노동 음악과 농민 음악의 발전은 중국 민족 형식의 창조를 위한 가장 기본적인 출발점이다. 새로운 음악의 방향은 대중화, 민족화, 예술화이다.
②내용이 형식을 결정한다. 새로운 사회 현실, 새로운 국민 사상, 감정, 생활, 즉 새로운 내용에는 필연적으로 그에 맞는 새로운 형식의 음악이 필요하다.
③새로운 형식과 옛 형식 사이에는 계승의 관계가 있다. 새로운 형식은 옛 형식의 변형, 가공, 변화, 발전을 바탕으로 해서만 만들어질 수 있습니다. 따라서 우리는 고유 한 민족 민속 음악의 발견, 수집, 비평 및 연구에주의를 기울여야합니다.
4 서양의 형식과 방법을 참고하되, 서양의 음악을 모방해서는 안 된다. 5 민족 양식은 민족의 생활 전통과 생활양식의 반영이며, 민족 양식은 고유한 스타일과 모습을 가져야 한다는 점을 강조한다. 유럽의 근대 음악 미학 사상 1930년대를 전후하여 유럽에서는 E. 쿠터와 h . 메르스만(1891~1971)을 새로운 음악 미학 학파의 대표자로 지칭하며, 일부에서는 이를 '에너지 학파'라고 부르기도 합니다. 이 학파는 작곡가와 청자의 감정 세계로부터 자유로운 음악 작품의 독립적 연구를 주장한 할름의 자율성 이론과 밀접한 관련이 있었지만, 이 학파와는 달리 음악의 본질을 설명하는 데 있어 자율성 이론의 약점을 극복하려는 경향을 보였습니다. 콜터는 음악의 본질은 소리의 형태가 아니라 음악에 내재된 어떤 의지적 경향이라고 주장했습니다. 이러한 의지적 경향은 음악적 소재 및 음악 구성의 다양한 요소와 불가분의 관계에 있으며, 소리 현상에 존재하는 에너지의 형태를 통해 나타납니다. 멜로디를 구성하는 음조 전위를 운동 에너지라고 하고, 화음을 구성하는 음조 전위를 포텐셜 에너지라고 합니다. 메르스만은 『응용음악의 미학』(1926)에서 에너지 이론을 바탕으로 오디오 자료의 규칙성에 대한 이른바 순수 객관적인 검토를 꼼꼼하게 제시합니다. 철학적 세계관의 제약에서 벗어나 음악의 관점에서 음악을 논의하는 이러한 경향은 1930년대 독일에서 등장한 '신 객관주의' 문학적 경향의 영향을 일부 반영합니다. 그 후 새로운 학파, 즉 후설(1859~1938)의 현상학 철학에 기초한 현상학적 음악 미학 학파가 등장했는데, 잉가든(R. Ingarden)이 중요한 대표 주자로 등장했습니다. 잉가든은 음악이 현실 세계와 공존하는 의도적 세계에 속한다고 믿었으며, 음악을 '순수하게 의도적인 대상'으로 간주했습니다. 순수한 의도의 대상인 음악은 현실 세계와 본질적인 연관성이 없습니다. 음악 작품과 작곡가 및 감상자의 의식적 감정 사이에는 동질성이 없으며, 음악 작품과 작품의 총점 사이에는 동질성이 없다는 전제하에 잉가든은 음악 작품의 특별한 존재 방식(음악 작품과 그 동질성)에 대한 문제를 제기합니다. 2차 세계대전 이후 현상학적 미학은 하트만, 랑게 등의 음악 미학 사상에 어느 정도 영향을 미쳤습니다. 잉가든의 이론에서 영감을 받은 하트만은 음악 작품의 계층적 이론을 제안했습니다. 그는 음악 작품을 소리 실체로서의 실재 층(즉, 전자의 층)과 내용의 의미로서의 환영 층(즉, 후자의 층)으로 나누었습니다. 전자의 층은 시청자의 의식과는 독립적으로 존재하고, 후자의 층은 예술적 감성을 가진 시청자의 의식과 관련되어 있습니다. 이 이론은 어떤 의미에서 음악적 내용과 형식의 상향 조정과 타자성(미학, 1953) 사이의 모순을 조화시키려는 시도입니다. 음악 미학에 대한 랑게의 생각도 현상학적 미학의 영향을 어느 정도 받았지만, 그는 음악의 본질을 주로 기호의 개념으로 해석했습니다. 랑게가 보기에 음악은 다른 예술과 마찬가지로 언어적 기호보다 훨씬 더 복잡한 독특한 예술적 기호로 구성된 순전히 감정 표현의 한 형태입니다. 이 형식은 사실 상상의 이미지에 불과합니다. 음악적 형식과 감정의 관계를 설명할 때 랑게는 게슈탈트 심리학의 동형 대응 이론을 사용합니다(『감정과 형식』, 1953). 그러나 하트만과 랑게는 음악을 의도의 대상이나 환상의 실체로 취급하면서 음악을 현실 세계와 어느 정도 분리시켰는데, 음악의 자율성과 형식-내용 사이의 모순을 심리학 연구의 관점에서 해결하려는 시도는 1950년대와 1960년대에도 계속되어 왔습니다. 게슈탈트 심리학을 바탕으로 종합적인 형식 표현 미학을 제안한 웰렉(A. Wellek, 1904~)의 이론이 그 예입니다.
제2차 세계대전 이후, 특히 1950년대 이후 소련과 동유럽 국가를 중심으로 마르크스주의 인식론과 성찰, 역사적 유물론 철학을 바탕으로 한 음악미학 연구가 발전하기 시작했습니다. 이 분야의 주요 저작으로는 B.B. 반슬로프(1950)의 『음악에 의한 현실의 반영』, 크렘레프(1953)의 『음악 미학 입문』, Z. 리사의 『음악의 미학』, 『음악의 특성』(65423) 등이 있습니다. 그들은 음악을 사회 이데올로기의 필수적인 부분으로 간주하고 궁극적으로 사람들의 정신 세계에 사회 현실이 반영된 산물이라는 점을 지적하고 사회 경제적 기반과 연결했으며이를 바탕으로 다른 유형의 예술과 구별되는 음악의 특수성을 탐구했습니다. 1960년대부터 1970년대까지 이 장르는 더 많은 변화와 발전을 겪었습니다. 이들은 정도의 차이는 있지만 서구의 음악 미학 연구 결과를 일부 흡수했습니다. 일부 작품에서는 현대 의미론과 기호학의 영향(예: 리사의 음악 미학에 관한 새로운 에세이, 1975)을 볼 수 있으며, 현상학과 같은 이론의 흔적이 남아 있는 작품도 있습니다.
1970년대 이후 정보 이론, 사이버네틱스 및 시스템 이론의 발전이 음악 미학 연구에 영향을 미치기 시작했고, 이 분야의 일부 작품이 등장했습니다. 아직 탐색의 초기 단계에 있지만, 이 방향은 의심할 여지없이 광범위한 발전 전망을 가지고 있으며 향후 음악 미학의 발전에 광범위한 의미를 가질 수 있습니다.