실험영화
실험영화는 미국이 1930 년대부터 발전해 온 비상업영화다. 이런 영화는 주로 l 6 mm 의 공동필름으로 촬영한 단편영화로, 전통적인 스토리라인이 없고, 주로 초현실주의와 추상주의를 표현한다. 그 예술의 본질로 볼 때, 유성영화 시대의 선봉영화이다.
1920 년대부터 40 년대 중반까지 실험 영화는 싹이 트고 있었다. 사진작가 relf Steiner 의 추상적 스타일' HZ0' (1929) 과' 기계원리' (1930), 슬라브 월카 피지와 같은 몇 장밖에 없다.
제 2 차 세계대전이 끝난 후 실험 영화는 새로운 진전을 이루었다. 센터는 여전히 미국에 있지만 실험 영화는 영국, 프랑스, 이탈리아 및 기타 유럽 국가에서 촬영되었습니다. 그 이유는: 1 입니다. 품질이 좋고 저렴한 16 mm 필름과 휴대용 오디오 영화 카메라의 등장으로 아마추어 개인 생산 활동을 위한 기술적 조건을 제공합니다. 2. 한스 리치와 같은 일부 유럽 선봉파 영화인들은 지식계에서 영향력을 발휘하기 시작했다. 뉴욕 현대예술박물관 F 의 보급으로 장 코크토의 영화를 포함한 일련의 유럽 선봉파 영화가 미국에서 상영되면서 사람들의 흥미와 취미를 불러일으켰다. 3. 마이어-덕련 실험영화 제작, 발행, 상영의 새로운 방식으로 출로 문제를 해결했다.
1940 년대 중반부터 50 년대 후반까지 미국 실험 영화의 주요 대표인물은 마이어 드리안, 케네스 앙젤, 그리고리 카일 폴로스, 커티스 해링턴, 셜리 스미스, 휘트니 형제, 프랭크 노워트법입니다. 이 사람들은 실험 영화의 양익에 속한다: 초현실주의와 추상주의. 디련의' 오늘의 인터넷' (i943 1, 지구 (1944), 영화카메라의 무용연습 (1945), 분노한 불꽃놀이 스미스는 피신저의 영향을 받아 간부들이 손으로 그린 추상적인 그래픽 영화를 촬영했다. 휘트니 형제는 1943 부터 1945 까지의 5 편의 영화 실습에서 추상적인 그래픽을 다양한 실험을 했다. 샌프란시스코에서 활동하는 스투파시는 일련의' 영화 속 예술' 상영 활동을 조직하고' 소사리' (1948) 등 영화를 직접 제작해 추상적인 기초 위에서 시와 영화를 하나로 통합하려고 했다.
1950 년대 중반에 등장한 미국의 새 영화와 1950 년대 후반에 등장한 지하영화는 미국 실험영화의 지속과 발전이다. 1960 년대 중반 지하영화운동이 서유럽으로 전해진 이후 사람들은' 실험그림자' 라는 단어를 거의 사용하지 않고' 지하영화' 로 대체했다.
초현실주의 영화
초현실주의 영화는 문학의 초현실주의 창작 방법을 영화라는 영화 장르의 창작에 적용한다. 이 창작 이념의 옹호자인 안드레 브레튼의 원칙을 계승하여 비이성적 행위의 진실성, 꿈의 의미, 부조화 이미지의 정서적 힘, 개인의 쾌감에 대한 집착을 강조한다. 그것은 한때 1920 년대 프랑스 선봉파 영화의 주류가 되었고, 나중에는 미국 실험영화와 지하영화의 중요한 날개가 되었다. 상업적으로 발행된 장편 분야에서는 초현실주의가 독립된 유파를 형성하지 않으며, 그 영향력은 영화의 개별 장면이나 단락에만 국한된다. 아두 키로의 영화 응용 초현실주의는 이런 연구의 전형적인 작품이다.
1920 년대에 프랑스 선봉파 영화인들은 영화의 촬영 성격과 몽타주 정렬 기교가 초현실주의의 가장 이상적인 표현 방식이라는 것을 발견했다. 이런 관점은 반전통 영화인들 사이에서 줄곧 유행하여 실천에 옮겼다.
전반적으로 드러커의' 조개껍데기와 승려' 는 최초의 초현실영화지만 루이스 부누엘의' 안달루시아의 개' 와' 황금시대' 에 더 많은 관심을 기울이고 있다. 전자는 정신적인 문제가 있는 방랑자의 일련의 꿈이고, 후자는 성욕과 사랑에 대한 프로이드 분석이다. 서방 영화 연구자들은 부누엘이 장편 영화로 전향한 후에도 초현실주의의 영향이 여전히 그의 작품에서 드러나고 있다고 입을 모은다. 실험영화와 지하영화에서 초현실주의 성향의 대표적인 인물은 미국의 마이어 딜린과 케네스 앙젤이다. 장편 분야에서는 서양 영화 연구자들이 변태심리, 잠재적 성적 충동, 비이성적 행동에 대한 묘사를 장편 초현실주의의 표현으로 귀결시키는 경향이 있다. 그래서 히치콕 시리즈 영화처럼 에드워드 박사 (1945), 현기증 f 1958), 북서북북 (1959), 정신병 환자 (
실내 연극 영화와 거리 영화
카메르 스피엘 영화
1920 년대 독일에 등장한 카멜스피엘 영화는 표현주의 영화의 반대이다. 실내연극' 은 원래 독일 연극감독 막스 채원하트가 창조한 용어로 소극장의 연극을 가리키며 시간, 장소, 동작의 통일성을 지켰습니다. 오스트리아 영화 시나리오 작가 칼 메이 유 (Carl Meiyu) 가 이 이념을 영화에 적용해 실내 연극 영화를 만들었다. 메이어는 19 19 년' 카리리 박사' 의 극본을 적어 표현주의 영화의 주요 옹호자 중 한 명이 되었다. 하지만 1 년 후 메이어는 표현주의의 궤도를 벗어나기 시작했고 192 1 에' 후계단' 을 썼고, 폴 레니가 연출해 첫 번째' 실내연극영화' 가 됐다.
실내극영화는 표현주의 영화에서 흔히 쓰이는 도깨비, 미치광이의 소재를 버리고 철도 노동자, 점원, 하녀 등 사회 소인들의 일상생활과 환경을 묘사한다. 고전 비극의 세 가지 법칙을 준수하는데, 경물은 단순하고 (주로 실내임), 인물은 적고, 일반적으로 무명이며, 그 직업만 특징으로 한다. 인물의 심리묘사를 매우 중시하며, 렌즈는 종종 인물의 손짓과 얼굴 표정에 오래 머물러 있다. 줄거리가 간단하고 시공간의 변화가 크지 않기 때문에, 한편으로는 배우의 연기가 엄숙하고 평평하며 과장을 피하도록 요구하고, 다른 한편으로는 자막을 적게 사용하고, 보이는 영상을 통해 극적인 내용을 전달하려고 노력한다. 하지만 묵편의 기술적 한계로 인물의 성격은 너무 간단하고, 렌즈는 너무 번거롭고, 관객은 인물의 행동 동기를 이해할 수 없다.
메이어 작가의' 철도' (192 1),' 섣달 그믐 날' (192 3),' 최악의 사람' (/kloc 이런 영화는 독일의 일부 영화감독이 현실주의로 가는 길에 큰 지도 역할을 했다 ('거리영화' 참조). 외국에서, 그것의 영향은 주로 마르셀 카네가 대표하는 일부 프랑스 영화감독의 영화 형식에 나타난다.
세인트레트 영화사
세인트 레트 영화 (St reet film) 는 거리를 주요 동작 배경으로 한 독일 영화로 실내 연극 영화의 영향으로 등장했다. 지그프리드 크라코프는' 리가에서 히틀러까지' 에서 이 단어를 만들었다. 대표 작품으로는 칼 그너의' 거리' (1923), 파퍼의' 기쁨이 없는 거리' (1925), 브루노 레인의' 거리의 비극' 이 있다. (i927) 등. 이 영화들은 사회 현실을 보여 주며, 직접적이고 소박하며 객관적인 스타일, 간결한 연기, 현실적인 세트로 독일의 하층 민중들의 일상생활을 반영하고 있다. 이런 영화는 표현주의의 미친 환상에서 벗어나 실내연극의 편협한 세계를 깨고 소리 없는 영화 말기에 현실주의로 나아가려는 독일 영화의 노력을 보여준다. 하지만 나치 세력의 부상과 나치가 통제하는 독점성 우파 영화사의 설립으로 이 노력은 곧 유산되었다.
영화 수첩 학교
영화 수첩 학교는 영화 수첩 그룹이라고도 한다. 65438 년부터 0955 년까지' 영화수첩' 편집부 주위에 모인 젊은 영화평론가들은 안드레 바찬을 비롯한 젊은 영화평론가들이다. 나중에 그들은 영화평에서 영화 촬영으로 넘어가 프랑스' 신파' 영화 C 의 주요 감독이 되었다.
영화 수첩' 잡지는 195 1 에 창간되어 편집장, 로, 자크 다노어-발 클로즈에서 발찬의 미적 사상이 잡지의 주도적 역할을 했다. 65438 년부터 0955 년까지 바잔 이론의 관점을 인정한 젊은이들이' 영화 수첩' 을 이론진지로 삼아' 기자론' 으로 새로운 평가 기준을 세우기 시작했다. 그들 중 주요 인물은 트루버, 그달, 레비트, 샤브로르, 두마, 셰릴이다. 1958 년부터 트루버, 그달, 레베트, 샤브로르 등이 잇달아 첫 영화를 촬영하며 프랑스 영화' 신파' 의 형성에 일정한 역할을 하였으며, 이 사람들은 이때부터' 영화 수첩' 파라고 불린다. [96t] 올해의' 신파' 가 쇠퇴한 후, 이 부분의 사람들은 분화되었다. 트루버와 샤브로르는 인기 있는 상업 영화 감독이 되었지만, 그들의 영화는 여전히 예술적 가치가 높다. 레비트는 실험 영화로 방향을 바꾸었다. 그달의 길은 더욱 복잡하고 변화무쌍하다. 1968 이전에 그의 영화는 점점 현대주의가 되면서 실존주의의 반도덕관과 무정부주의의 정치사상을 선전했지만, 형식상 그는 전통적인 영화 문법을 마구 파괴했다. 1968 부터 그는 갑자기 극좌로 전향해 일련의 정치적 색채가 짙은 단편 영화를 촬영하고 자본주의를 반대하며 폭력 혁명을 조장했다. 197 1 연간 교통사고 부상, 촬영 중지. 1970 년대 말, 그는 "정치에 대해 더 이상 묻지 않을 것" 이라고 주장하는 장편 영화를 다시 촬영하기 시작했다.
좌안그룹 (The Left Bank Group) 은 1950 년대 말 프랑스에 등장한 영화감독단체로, 그 멤버들이 모두 파리 세나 강 왼편에 살았기 때문에 붙여진 이름이다. 그들은 앨런 레이나이, 애니스 와다, 크리스 마르케, 아론 롭 그리예, 마가렛 두라, 헨리 콜피입니다. 하지만 ... 사실,' 좌안파' 는' 학파' 나' 그룹' 을 형성하지 않았다. 그들은 단지 한 무리의 예술가일 뿐, 서로 오랜 우정을 가지고 있고, 비슷한 예술적 흥미를 가지고 있으며, 창작에서 늘 서로 돕는다. 기본적으로 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다. 하나는 사랑, 발다, 콜피 등과 같이 오랫동안 영화 창작에 종사해 온 감독입니다. 또 다른 종류는 주로 마르케, 두라, 로브 그리어와 같은 문학 창작에 종사한다. 그들의 유명한 영화는 모두 1950 년대 말 60 년대 초에 나왔기 때문에, 이군의' 히로시마 사랑' (i959) 과 콜피의' 별별' (196 1) (모두 두라가 쓴 것) 그래서 그들의 작품은 종종' 신파' 영화로 분류된다.
사실, 좌안파 감독의 영화와 영화 수첩파 감독의 영화는 뚜렷한 차이가 있습니다. 바로 다음과 같습니다.
1.' 좌안파' 감독은 영화만을 위해 특별히 쓴 극본만 영화로 찍고 문학작품을 개편하지 않는다.
2. 그들은 항상 인물의 내면활동 묘사에 집중하고, 외부 환경에 대한 기록 방식을 취한다.
3. 그들의 영화 기법은 정밀 조사를 매우 중시하고, 세부 사항은 다듬어야 하며, 대충 하는 반즉흥적인 스타일은 없어야 한다.
4. 그들의 영화는 더욱 현대적이다. 특히 두라와 로브 그리어의 영화는 프랑스 현대주의 소설의 대표이기 때문이다.
좌안파' 영화는 프랑스에서' 작가의 영화' 로 불리는데, 이는 문학작가가 찍은 영화를 뜻한다. 이 영화들 외에도 그들의 대표작품에는 이후의 자애 (1963) 의' 무리엘' 과' 전쟁이 끝났다' (1967), 로브 그리가 있다 (1967)
좌안파' 영화의 영향은 심오하다. 예를 들어 요크 로젤의' 필리핀 이별' (1962) 은 즉석 대화, 캠코더, 숨겨진 마이크를 사용하여 실제 영화의 흔적을 보여 주었다. 트루버의' 좌충우돌' (1959) 도 매우 자연스러운 촬영 스타일과 소셜콘텐츠로 실제 영화의 영향력을 분명하게 보여준다. 그달은 그의 많은 영화에서 주관적인 개입을 하였으며, 심지어 실제 영화의 방법을 직접 채택하기까지 했다.
리얼 영화 (CINEMA VERITE) 는 1950 년대 말 이후 직접 기록이 특징인 영화 창작 유형이다. 프랑스 리얼 영화 운동과 미국 직접 영화 운동을 포함한다. 대표적인 인물로는 프랑스의 장 루시, 프랑수아 레흐바치, 마그리오 루스두리, 미국의 데이비드 메스어와 앨버트 메스어 형제, 리처드 리코, 당 애륜 페니 셰어 등이 있다.
진짜 영화의 옹호자들은 그들의 영감이 주로 소련가 윌토프의' 영화 눈' 이론과 실천에서 비롯된 것이라고 주장한다. 1920 년대에 윌토프는 생활 장면으로 구성된 일련의 뉴스 다큐멘터리를 촬영한 후, 나중에 이 장면들을 일정한 구조의 장편 영화로 편집했다. 그는 이런 영화를' 영화 진리보' 라고 부르는데, 진짜 영화는 사실 이 목마른 단어의 바쁜 프랑스어 번역이다. 리얼 영화 작품과' 영화 진리보' 의 예술적 차이는 전자가 표현한 사건이 더욱 완전하고 단일하다는 점에서 장편 영화의 특징을 가지고 있다.
생산 방식으로서 실제 영화는 다음과 같은 특징을 가지고 있다.
1. 직접 실생활을 촬영하고 허구를 거부한다.
2. 대본을 미리 쓰지 말고 프로배우를 쓰지 마세요.
제작진은 감독, 사진작가, 녹음사 등 세 명밖에 없었다.
이런 영화 유형에서 프랑스 리얼 영화와 미국 직접영화의 유일한 차이점은 영화감독의 역할이다. 프랑스인들은 감독이 영화 촬영 과정에 참여할 수 있다고 주장한다. 예를 들어 루씨는' 여름의 연대기' (196 1) 를 촬영할 때 관객들에게 감독이 결코 방관자가 아니라는 인상을 남기기 위해 영화에 인물과의 인터뷰와 논쟁을 삽입했다. 미국인들은 사건의 진행에 간섭하는 것을 피하고 감독이 주체의 자연적 성향을 훼손하지 않도록 엄격하고 객관적인 입장을 취할 것을 요구했다. 예를 들어, 리코크는 데이비드 (1962) 를 촬영할 때, 처음부터 끝까지 사건의 자연 과정에 따라 방해받지 않고 마약 중독 센터의 젊은 마약 중독자를 촬영했다.
리얼 영화 촬영 방식은 감독이 사건을 정확하게 발견하고 극적인 과정을 예측할 것을 요구하며 제작진의 동작이 빠르고 단호할 것을 요구했다. 이런 방식은 필연적으로 영화의 소재를 제한하기 때문에 진정한 의미의 영화는 매우 적다. 리얼 영화는 장르로서 일반 장편 창작을 위한 최대의 진실성을 보장하는 촬영 방법을 제공한다는 점에서 더 큰 의미가 있다. 그 영향은 심오하다. (윌리엄 셰익스피어, 리얼, 리얼, 리얼, 리얼, 리얼, 리얼, 리얼) 예를 들어 요크 로지의' 안녕, 필리핀' (1962) 은 즉흥 대화, 캠코더, 숨겨진 마이크를 사용하여 실제 영화의 흔적을 보여준다. 트루버의' 횡행' (1959) 은 매우 자연스러운 촬영 스타일과 소셜콘텐츠로 실제 영화의 영향력을 보여준다. 그달은 그의 많은 영화에서 주관적인 개입을 하였으며, 심지어 실제 영화의 방법을 직접 채택하기도 했다.
프랑스 영화평론가 니노 프랭크 (Nino-Franck) 는 1946 에서 검은 소설이라는 단어에 영감을 받아 한 구절을 만들었다. 주로 호채집이 40 년대와 50 년대 초에 촬영한 도시의 어두운 거리를 배경으로 범죄와 타락한 세계를 반영한 영화를 가리킨다. 검은색 영화는 독립된 영화 유형이 아니다. 강도 영화, 서부 영화, 코미디 영화 등 많은 전통적인 영화 장르와 얽혀 있다. 그것의 주제는 주로 범죄 활동이지만, 모든 범죄 영화가 검은 영화로 분류할 수 있는 것은 아니다.
다음과 같은 특징이 있습니다.
1 .. 어둠 속의 장면이 많다. 내경이든 로케이션이든 언제나 어둡고 무서운 미래를 준다. 위기감,
2. 독일 표현주의 사진 스타일을 채택하여 악몽 세계의 착각을 만들어 내고, 그림자가 기이하고 깊고, 톤이 우울하다.
3. 주인공은 종종 이중인격을 지닌 반항적인 인물로 주변 세계에 적대감, 실망감, 외로움, 결국 죽음에서 귀착점을 찾는다.
4. 습관적으로 역사나 일인칭 서술을 심리를 묘사하는 수단으로 사용한다. 그래서 블랙 영화는 미국 폭력 제재, 독일 표현주의 사진 스타일, 프랑스 존재주의의 결합이라고 할 수 있다.
1940 년대에 흑인 영화는 번영기에 들어섰다. 1950 년대 중반에는 관객이 줄어들고 할리우드가 새로운 스타일, 주제, 기술로 바뀌면서 흑인 영화는 점차 사라졌다. 대표 작품으로는 존 휴스턴의' 몰타매' (194 1), 빌리 와일드의' 기차 살인사건' (1943) 이 있다. 오슨 윌스의' 낯선 사람' (1946) 과' 상해에서 온 여자' (1949), 오토 프리밍거의' 로라' (1949)
블랙 영화: 어둠을 빛으로
검은 영화는 때때로 제 2 차 세계대전 때 현실을 도피한 프랑스 영화를 가리킨다. 이 영화의 창작자들은 비시 정부의 정치적 호소를 만족시키고 싶지 않고, 의도적으로 현실 생활에 노출되는 것을 피한다. 게다가, 전후 세대의 프랑스 감독은 한때 호채옥의 검은 영화에 깊은 흥미를 가지고 있었다. 예를 들어 장-빌 멜빌은 1960 년대에 흑인 영화의 예술적 명성을 회복하려고 시도하며' 고통' (1962),' 제 2 호흡' (/Kloc-) 과 같은 흑인 영화의 기본 특징을 지닌 일련의 영화를 촬영했다.
무료 영화관
자유영화관은 영국 국가정보영화관이 1956 부터 l959 년까지 상영한 6 세트의 실험영화의 총칭이자 이 일련의 실험영화를 대표하는 영화운동의 이름이다. 65438 년부터 0956 년까지 영국 영화학회 실험재단과 미국 포드 자동차가 공동으로' 영국 영화예술 부흥' 에 관심이 있는 젊은이들이 여러 편의 단편영화를 촬영하여 영국 국립정보영화관에서 상영했다. 영화 상영 기간 동안 이 젊은 감독들은 사회와 영화계의 보수 관념에 도전하기 위한 창작 목적을 발표하는 성명을 공동으로 발표했다. 그들은 예술가의 사회적 책임을 강조하고 창작에서 일상생활의 주제와 개인적인 표현에 관심을 기울일 것을 요구한다. 그들은 영화 제작의 상업적 족쇄에서 벗어나 창작의 자유를 얻기를 강력히 희망한다.
자유영화관이라는 이름으로 촬영한 영화는 모두 진실한 사람을 보여주기 위한 것이었지만, 이들 영화의 창작자들은 다큐멘터리라는 단어로 그들의 영화를 형용할 엄두가 나지 않았다. 영국 다큐멘터리 운동이 다큐멘터리를 정부 기관이나 사회단체의 이익을 위해 봉사하는 것을 제창했기 때문에 다큐멘터리라는 단어는 현실을 미화하고 미화하는 의미를 지녔기 때문이다. 이 운동의 주창자인 린지 앤디슨은 녹음 기술이 영화 걸작의 제작을 방해할 수 있다고 주장하기까지 했다. 이 젊은 감독들은 영화 제작업계에 적의를 품고 있지만 전문 영화인과의 협력에 반대하지 않는다. 월터 라사리와 존 플레처와 같은 유명한 영화 사진작가들은 그들을 위해 영화를 촬영한 적이 있다. 자유영화운동도 당시 영국 문단과 연극계에서 나타난 보수사상에 반대하는 사조와 밀접한 관련이 있다. 예를 들어 반보수주의로 유명한 극작가 존 오스본 (John Osborne) 은 자유영화 운동의 주요 인물과 영화 창작에 긴밀하게 협력한 적이 있다.
1959 무료 영화운동이 일단락됐다. 그해 3 월 앤더슨, 카를로 레츠, 라사리, 플레처는 "무료 영화는 죽었고, 무료 영화는 만세!" 라고 공동 성명을 발표했다. 이번 운동이 급속히 와해된 이유는 경제적으로 유지하기 어렵기 때문이다.
이 운동이 존재하는 여러 해 동안 앤더슨의' 엄마가 응답하지 않는다' (1955),' 크리스마스의 매일을 제외하고' (1957),' 레츠의' 라는 예술적 사상을 반영하는 영화가 제작됐다
자유영화 운동 이후 앤더슨, 레츠, 리처슨은 영국 상업영화 제작기구에 연이어 가입하여 장편 촬영에 유명한 감독이 되었다. 그들은 운동 후와 60 년대 초 촬영한 영화들 중 일부는 리처드슨의' 분노의 회고' (1959),' 꿀맛' (196 1) 과 같은 영화였다.
지하 영화:
지하영화 (Underground film) 는 1950 년대 말 미국에 등장해 개인이 제작한 실험 1 영화를 비밀리에 상영하는 운동이다. 곧 이 단어는 미국과 서유럽의 모든 실험 영화를 지칭하는 데 사용되었다.
1950 년대 말부터 60 년대 초까지 뉴욕시 경찰서는 실험 영화를 전문적으로 상영하는 영화 자료관에 여러 차례 개입했다. 음란물을 상영하는 단편 영상이 있고 뻔뻔스럽게 묘사성, 동성애, 복장 중독, 포르노춤, 퇴폐적인 생활방식 등이 금지된 주제였기 때문이다. 한번은 이런 상영 주최자가 체포되었다. 미국 새 영화그룹' 의 두목인 조 메카스가 체포되었다. 이에 따라 이런 실험편의 제작과 상영 활동이 점점 지하화되면서 붙여진 이름이다.
지하영화운동의 초기 대표인물은 잭 신미 (불타는 생물, 1963 등) 였다. ) 와 앤디 워홀 (키스,/Kiss-0/963 등. ). 그들의 영화에서 적나라한 성묘사와 조금도 숨기지 않는 허무주의 사상이 눈에 띈다. 연기 기교상의 혁신이 아니다. 조나스 메카스가 1967 에서 발표한 것처럼, "우리는 어디에 있습니까?-지하? 문장' 뉴 아메리칸 영화' 는 "우리는 사람들이 무엇인지, 영화가 무엇인지 모른다" 고 스스로에게 말했다. 그러므로 우리는 완전히 개방되어야 한다. 우리는 어떤 방향으로든 행동할 것이다 ... 우리는 만물의 주재자이다. "1960 년대 중반부터 각기 다른 창작 성향을 가진 실험영화감독이 지하영화 대열에 합류하면서 영화를 현대주의 예술로 만들자고 분명히 제안했다. 이 개인영화들은 풍격이 다르고 서로 경쟁하며 오리지널을 다투지만 두 가지 공통점이 있다. 하나는 예외 없이 18mm 필름을 사용한다는 것이다. (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure (미국 TV 드라마), Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언 상업영화에 반대하는 표지로서, 그것은 계속해서 성적 표현을 선호하고, 반전통의 도덕관념을 제창한다. 미국 영화평론가 파커 테일러 (Parker Taylor) 가 지적한 바와 같이, "지하 영화의 역사는 영화 카메라의 가장 중요한 기능 중 하나로, 사진 복제에 너무 사적이고, 너무 충격적이고, 비도덕적인 금기 분야에 깊이 들어가는 것을 잊어서는 안 된다. "지하 영화평론사, 뉴욕, 1969"
지하 폭군? 강강 씨? 품질은 어떻습니까? 송강 샤웨이? 천사。 그는 많은 단편 영화를 만들었지만, 아무도 공개적으로 상영한 적이 없다. 사람들이 보는 것은 단지 긴 작품이나 단편 영상이 첫 상영 후 도난당하여 발매된 단편일 뿐이다. 분노는 열광적인 성세계와 신비로운 환각, 그리고 그의' 행복한 둥근 집 취임식',' 전갈자리의 부상' (1964) 과
지하영화운동도 추상영화의 부흥을 촉진시켰다. 브라치는' 파몽영화' 를 만들어 렌즈 조각의 연결과 겹겹이 겹쳐진 화면을 이용해' 개 별 사람' (1959-/Kloc-) 과 같은 순수한 추상영화를 만들었다. Emschwiller 는 토템 (1962-1963) 과 같은 춤 동작으로 추상적인 그래픽을 형성합니다. 로버트 버러는 1920 년대 선봉파 영화의 실험을 이어가며' 호흡' (1963) 과 같은 필름에 직접 추상화를 그렸다.
1960 년대에는 두 가지 새로운 추상 영화' 변종' 인' 스플릿 영화' 와' 구조주의 영화' 가 등장했다. "모자이크 영화" 는 다른 많은 영화에서 잘라낸 장면을 직접 합친 작품으로 브루스 코너와 로버트 넬슨은 이런 영화를 만드는 전문가이다. 코너의 A 영화 (1958) 는 여러 영화 중 짜릿한 장면을 한데 엮었다. 넬슨의' 쿠바의 한 흑인 어머니의 고백' (1964- 1965) 팻 오닐 (Pat O 'Neill) 과 스콧 바레트 (Scottus Barrett) 의' 스플릿 영화' 는 광학 프린터나 자기 비디오 레코더 앞에서 클립 렌즈를 재가공하고 프로듀서의 주관적인 의도에 따라 원본 이미지와 색상을 바꾸는 것이다. Gunner (/;
구조주의 영화' 는 영화의 물리적 성질과 화학 과정을 관객에게 노출시켜 새로운 시공관념을 만드는 것이 특징이다. 이 단어의 창조자,' 영화문화' 잡지의 영화 평론가 아담스 싯니 (Adams Sitny) 는' 구조주의 영화' 의 창시자가 브라치 (Blalacchi) 와 바홀 (Varhol) 이며, 전형적인 대표는 마이클 스노라고 생각한다. 스노우의 파장 (1967) 은 길이가 약 2.5 미터인 방에서 무한히 줌되는 45 분짜리 단샷이다. 토니 콘래드의 영화 (1966) 와 조지 랜돌프의' 필체, 천공, 얼룩이 있는 영화' (1966) 는 모두 이런 부류에 속한다.
1960 년대 중반부터 서유럽 국가들도 지하 영화 운동, 특히 서독, 이탈리아, 네덜란드, 영국이 등장했다. 서유럽 지하영화의 주요 경향은 구조주의의 추상 영화를 찍는 것이다. 주요 대표 인물로는 영국의 말콤 레 그레이스와 피터 고드하르, 서독의 워너 넥스, 오스트리아의 피터 코페르가 있다.
정치 영화, 전투 영화 및 세 번째 영화
첫째, 정치영화
정치 영화는 다음과 같습니다.
1. 당대의 실제 정치사건, 정치운동, 정치사상을 직접 보여주는 영화;
2. 이러한 정치적 사건과 정치 운동에 참여하는 노동자, 학생 및 기타 사람들의 사상, 행동 및 운명을 직접 보여주는 영화
3. 당대의 중대한 사회와 정치 문제를 반영하는 영화. 그들의 공통된 특징은 정치 문제, 정치 사건, 정치 사상과 행동, 그리고 개인과 이러한 사건, 사상, 행동의 관계에 초점을 맞추는 것이다. 1960 년대 말부터 70 년대 중반까지 정치영화는 서방 국가 영화 창작의 추세가 되었다.
정치영화라는 단어는 프랑스 영화감독 코스티 코스다 가블라스가 촬영한 영화' Z' 와 함께 나왔다. 그 이후로 많은 정치 영화는 기본적으로 네 가지 범주로 나눌 수 있습니다.
1. 실제 인물을 표현하거나 실제 인물을 기반으로 한 장편 영화. 대표 작품은 가블라스가 프랑스 코스타에서 촬영한 영화 시리즈 (예: Z (1969, 그리스 좌파 의원 그리고리스 럼스키가 군 정부에 살해된 이야기), 참회 (1970, 체코슬로바키아 슬란스키 사건에 대한 이야기
2. 허구의 장편 영화. 대표작품으로는 이탈리아 영화 다미아노 다미야니 (197 1) 의' 한 경찰서장의 고백', 엘리오 페트리 (1972) 가 있다. 프랑스 영화 그달의' 소녀 중국' (1967), 미국 영화' 벌공원' (197 1), 테프랭크의' 빌리 잭'
판타지 영화와 코미디. 대표 작품으로는 윌리엄 크레이그의 미국 영화' 자유선생' (1067), 이탈리아 영화' 펠리니의 밴드 훈련' (1978), 지오리아노 몬탈도의' 폐쇄' 가 있다
4, 뉴스 다큐멘터리 및 기타 영화. 주로 프랑스 전투영화그룹 ('전투영화' 참조) 과 일부 미국 정치영화그룹이 제작한 짧은 다큐멘터리다.
정치영화는 1970 년대 중반에 쇠락했다.
소련도 정치영화를 언급했지만' 국제계급투쟁 표현' 을 뜻하는 영화일 뿐이다.
둘째, 전투 영화
전투 영화는 1960 년대 프랑스에 나타나 프랑스의 좌파 정치적 관점을 반영한 비상업 다큐멘터리를 말한다. 프랑스' 5 월 폭풍' (파리 대학생' 반란' 운동) 이후 태어난 1968. 1968 부터 1977 까지 프랑스가 이런 영화를 제작하는 단체는 30 여 개, 규모는 4 ~ 5 개에서 수십 개로' 화성단',' 유니크단',' 길가' 를 포함한다. 이들은 휴대용 카메라, 16 또는 초8MM 필름으로 현장에서 촬영한다. 보통 단편 영화다. 주제는 노동자 투쟁, 농민 착취 반대 투쟁, 여성 해방 운동, 학생 운동, 외국인 근로자의 곤경, 아시아, 아프리카, 라틴 아메리카 국민의 반제 반식민 투쟁이다. 이런 종류의 영화는 때때로 이야기가 있는데, 노동자, 농민, 학생 등이 공연한다. 일반적으로 제작진은 자신의 영화를 발행하는데, 주로 공장, 농촌, 학교의 영화 클럽에서 상영한다. 생산자금의 원천은 좌파 정당에 의지하고, 어떤 것은 사회 기부에 의존한다.
프랑스의 전투영화는 처음부터 복잡한 정치적 배경과 각 그룹의 다른 정치적 관점으로 통일적으로 행동할 수 없었다. 1970 년대 말, 내부 분열이 심화되고 정치사상이 혼란해 프랑스의' 왼쪽' 이 쇠퇴 상태에 있다.
셋째, 세 번째 영화
세 번째 영화는' 유격영화' 라고도 한다. 식민주의를 목표로 한 영화. 쿠바 영화감독 페르난도 솔라나스와 옥타비아누스 게티노가 1970 년대 초에 처음으로 제안한 것이다. 그들은 영화를 전투 무기로 삼아 아펠라와 함께 신식민주의와 제국주의의 무장 투쟁에 반대할 것을 요구했다. 솔라나스는' 제 3 영화' 의 목표는' 제 1 영화' (호채집 영화로 대표되는' 제국주의 영화') 와' 제 2 영화' (라틴 아메리카가 호채집 영화를 모방한 상업영화로 대표되는' 민족 영화') 의 반동적 본질을 폭로하는 것이라고 주장했다.