포스터는 논문을 쓰는 것 같습니다
다들 답변을 읽어보니 그렇게 말하더군요. 이제 제 의견을 좀 말씀드리겠습니다.
1. 낭만주의 교향곡의 발전과 특징
초기 낭만주의 시대: 1810~1830 중세 낭만주의 시대: 1830~1850 낭만주의 유사 고전주의 1850~1900 세 단계는 일반적으로 슈베르트에서 시작된다. 슈베르트의 음악은 여전히 비엔나 클래식 음악 학교의 강력한 유산을 갖고 있지만, 동시에 소박함, 부드러움, 즉각적인 유혹, 거의 비현실적인 행복감으로 가득 차 있습니다. 분위기가 좋아서 사람들은 그를 '고전적인 낭만주의자'라고 부르는 데 익숙합니다. 베버는 베토벤과 모차르트의 영향을 받은 낭만파의 대표주자이기도 하다. 이 두 작곡가는 특히 낭만주의 양식의 섬세하고 섬세한 면모를 보여주었다.
중기의 대표자는 멘델스존과 슈만이다. 두 사람은 각자의 주관적인 독특한 양식에 더해 이 낭만주의 시대의 정신을 공동으로 전달하며 베토벤의 순수성과 절대성을 계승하며 의 교향곡을 발전시켰다. 아름다운 형태. 브람스의 작품에서는 낭만의 본질이 더욱 세련되고 응축되어 있습니다. 예를 들어, 슈베르트의 작품에서 "낭만적 고통"은 감정적으로만 반영되지만 브람스에서는 이미 감각적 고통입니다.
베를리오즈와 리스트는 베토벤의 제목 설명의 영감을 선별적으로 이해하고, 내용이 풍부한 교향시를 발전시켰는데, 낭만주의 시대에 '자연'이 끼친 영향은 깊었고, 형식미를 강조하는 교향곡도 예외는 아니다. . 때로는 이 반향이 더 직접적이기도 하고(예: 멘델스존의 "스코틀랜드" 및 "이탈리아" 교향곡) 때로는 더 추상적이기도 합니다(예: 슈만의 "봄" 및 "라인"). 자연을 강조하면서도 미래 민족주의의 발흥을 위한 씨앗을 뿌린 셈이다.
사이비 고전주의(포스트낭만주의라고도 불림)의 유명한 작곡가들은 먼저 브루크너와 브람스를 추천한다. 브루크너 교향곡의 두 가지 주요 특징은 종교적 정서와 '준오르간 소리'이다. 주로 19세기 오스트리아 천주교가 지나치게 봉건적이고 보수적이었기 때문에 브루크너의 우아하고 금욕적인 교향곡 세계가 제시되었다. 그는 교리에 대한 자신의 믿음에 대해 의심의 여지가 없었으며 어떤 상황에서도 자신의 삶에 대해 불평하지 않고 열심히 일하는 늙은 농부와 같았습니다. 갈등이 없다는 말은 아니지만 갈등을 마음 속 깊이 묻어두고 절대 나오지 않을 줄 아는 사람이다.
브루크너에게 가장 깊은 영향을 준 사람은 바그너였는데, 특히 화성음악과 관현악에서 브루크너는 늘 눈을 감고 바그너의 뮤지컬을 듣는 데 익숙했다. 연극의 음악은 영적이 되었습니다. 브람스와 브루크너는 비엔나에서 함께 살았지만 그들의 관계는 잘 통합되지 않았습니다. 브람스는 독일 북부의 기독교 가문 출신으로, 그의 모순적인 성격은 마음 속 깊이 묻어둘 수 없었고, 꺼지지 않는 마음속의 불길을 두려워하여 안주할 수 없었다. 일관된 스윙과 무겁고 모호한 리듬에서 그것을 느껴보세요.
비엔나 심포니가 브루크너와 브람스를 경험한 이후 이를 통합해 정점으로 끌어올린 사람은 거인의 어깨 위에 선 말러뿐이었다. 퇴폐적 사고가 만연하던 세기말의 말러는 현실(삶)의 갈등과 마찰, 은퇴한 시절(죽음)의 추억을 그의 작품에 끊임없이 등장시키는 주제로 삼았다. 한편으로는 후기 로맨스의 황홀함과 아픔을 생생하게 표현하는 동시에 현대음악의 새로운 사명인 쇤베르크를 위한 레드카펫을 준비하기도 한다.
2. 새로운 낭만주의 음악
(이 시기의 음악은 많이 듣지 않았으나 바버의 '현악을 위한 아다지오', '심포니' 등을 들었다.)
뉴로맨티시즘은 1970년대에 등장한 장르로 보통 이런 음악에는 음조가 있는데, 이때의 음조는 "*** 조화와 구조, 음조가 아니다. 성적인 글쓰기(Sexual Writing) 시대에는 1950년대와 1960년대에 유행했던 지나치게 지적이고 추상적인 시퀀스 음악을 부정하기 위해 새로운 음악 언어를 사용하며 감성적 표현을 강조하기 시작한다. 정도는 다양하며 낭만주의 스타일에 중점을 둡니다. 뉴로맨틱 음악입니다.
대표적인 인물 및 작품으로는 이탈리아의 베리오와 그의 "교향곡", 미국의 크램과 그의 "대우주"와 "여름밤의 음악", 바버의 "소프트 스트링스" 에디션", "심포니" 등이 있다. , 로흐베르크의 <교향곡>, <피아노 모음곡>, 독일의 헨체와 그의 <야곱의 꿈> 등
몇 가지 정보를 찾았습니다:
루치아노 베리오, 루치아노
(1925년 이탈리아 오네글리아 출생, 현재는 페리야로 알려짐). 이탈리아 작곡가. 1951년까지 밀라노 아카데미에서 Ghedini와 함께 공부한 후 Tanglewood에서 Dallapiccola로부터 시퀀스 기술을 배웠습니다. 1955년 그와 마데르나는 이탈리아 라디오 방송국에 전자음악 연구소를 설립하고 1961년까지 이 연구소에서 일했습니다. 그는 1963년에 미국으로 건너가 캘리포니아에서 1965년부터 줄리어드 학교에서 가르쳤고 1971년에 이탈리아로 돌아왔습니다. 이 작품은 연속주의, 전자 기술, 무작위 음악의 영향을 받았습니다. 그는 다른 작곡가의 음악 조각을 빌리거나 그들의 문체적 특징을 모방하여 "콜라주" 기술을 독특하게 개발했습니다. 예를 들어, "Sinfonia"에서 Berio는 Mahler의 두 번째 교향곡, Wagner의 "Das Rheingold"(Das Rheingold), Ravel의 "La Valse", Routh의 Der Rosenkavalier의 St. Material을 인용했습니다. "Laborintos II"에서는 거리의 외침과 감탄사가 목가적 요소와 재즈 요소와 혼합되어 있습니다. 또 다른 콜라주는 그의 전처인 소프라노 Cathy Berberian(예: "Epifanie"(Epifanie) 및 "Sequenza 3"(Sequenza 3))을 위한 여러 작품으로 구성된 "Recital I"(Cathy에게 헌정)입니다. 다양한 악기를 위한 일련의 Sequentas는 기본적으로 우연의 음악입니다. "Circles"에서는 가수가 악보에 표시된 음정이나 원하는 음정을 노래할 수 있습니다. 젊었을 때 베리오는 밀라노의 소규모 순회 오페라단에서 지휘자로 활동했기 때문에 지금까지 그가 만든 극 작품은 독창적이었지만 항상 극 음악에 대한 열정을 가지고 있었습니다.
사무엘 바버
(1910년 펜실베니아 주 웨스트 체스터에서 태어나 1981년 뉴욕에서 사망). 미국 작곡가. 그는 6세에 피아노를 연주했고, 7세에 작곡을 했습니다. 14세에 그는 필라델피아의 커티스 주니어 칼리지(Curtis Junior College)에 입학하여 1925년부터 1934년까지 Scalero에게 작곡을, 1926년부터 31년까지는 Isabel Vengirova에게 피아노를, E. Milio Degogorza에게서 피아노를 배웠습니다. 성악을 공부했다. 1928년 지안 카를로 메노티(Gian Carlo Menotti)를 만난 후, 그들의 우정은 오래 지속되고 결실을 맺었습니다. 그의 작품은 1933년부터 연주되기 시작했는데, 특히 Arnold의 시 "Dover Beach"(그가 바리톤 파트를 불렀음)와 그의 첼로 소나타(피아노 파트를 연주함)의 음악이 연주되기 시작했습니다. 그는 1935년에 Pulitzer 장학금을 받았고, 1936년에는 American Academy의 Rome Prize를 받았습니다. 같은 해 그의 교향곡 1번은 몰리나리가 지휘하여 로마에서 초연되었습니다. 토스카니니는 1938년 바버의 현악을 위한 아다지오(원래는 현악 4중주를 위한 느린 악장)와 첫 번째 관현악 에세이를 지휘했으며, 다음 해에는 월터, 쿠세비츠키, 라인스도르프와 같은 지휘자들의 지휘로 뉴욕, 보스턴, 필라델피아에서 초연된 작품들을 지휘했다. , Mitropoulos, Ormandy 및 Meta. 제피렐리의 대본인 그의 4막 오페라 "안토니와 클레오파트라"(안토니와 클레오파트라)는 1966년 9월 개막식을 위해 뉴욕 링컨 센터의 뉴 메트로폴리탄 오페라 하우스의 의뢰를 받았습니다.
바버의 음악은 특별한 '미국적 취향'보다는 전통적인 유럽풍을 띠고 있다. 음악적 언어는 상대적으로 보수적이며 멜로디, 우아함, 화려함으로 가득 차 있습니다.
그의 서정성은 소프라노와 오케스트라를 위한 "Vanessa"와 "Knoxville: Summer of 1915"에서 가장 뚜렷하게 나타나며, "Dover Beach", 첼로 소나타와 교향곡 1번에서는 그의 낭만주의가 충분히 드러납니다. 호로비츠가 초연한 그의 피아노 소나타는 뛰어난 거장 작품이다. 몇몇 오페라는 처음에는 미지근한 반응을 얻었지만 관객의 태도는 점차 바뀌었고 협주곡과 노래는 매우 잘 작동했습니다.
크럼, 조지
(1929년 웨스트버지니아 주 찰스타운 출생). 미국의 작곡가. 1959-64년 콜로라도 대학교 볼더에서 피아노와 작곡을 가르쳤습니다. 1965년에 그는 펜실베이니아 대학교 음악과에서 가르쳤고, 1983년에 그 학교의 인문학 교수가 되었습니다. 음악은 매우 개인적인 것입니다. 그는 초기 베베른의 영향을 받아 이후 새로운 소리에 관심을 가지게 되었고 때로는 파편화되고 때로는 우연에 기초한 작곡기법을 채택했지만 변형된 효과를 추구하지 않았으며 그가 표현한 사상은 여전히 명확하고 이해하기 쉬웠다. 이해하다. 예를 들어, 확장 피아노를 위한 1972년 환상 세트 "Makrokosmos"에서는 많은 특수 피아노 기술이 사용되지 않았으며 그 효과는 매우 시적입니다.
조지 로치버그
(1918년 뉴저지 주 패터슨 출생). 미국 작곡가. 1939년부터 1942년까지 그는 뉴욕의 Mannes School of Music에서 Mannes와 Serre에게 작곡을 배웠고, 1945년에는 Tees College에서 Scalero의 지도를 받았습니다. 1948년부터 1954년까지 커티스 주니어 칼리지에서 교사로 재직했고, 1961년부터 1968년까지 펜실베이니아 대학교 음악학과 학과장을 역임했으며, 1968년부터 음악 교수로 재직하고 있습니다. 그는 말러(Mahler)와 쇤베르크(Schoenberg)의 영향을 받았으며, 그의 음악은 독특한 연속주의 스타일로 발전했으나 나중에는 음조로 돌아갔다. 많은 비판적인 기사를 썼습니다.
Henze, Hans Werner
(1926년 베스트팔렌 귀터슬로 출생). 독일의 작곡가이자 지휘자. 1942년부터 1944년까지 그는 브라운슈바이크 국립음악학교에서 공부했고, 1946년에는 하이델베르크에서 공부했다. 그는 1946년부터 1948년까지 Fortner와 개인적으로 공부했으며 1948년에는 Darmstadt에서 Leibowitz와 함께 Schoenberg의 12음 체계를 공부했습니다. 1950년에 그는 비스바덴 헤세 국립 오페라와 발레의 음악 감독이 되었습니다. 1953년 이탈리아에 정착. 1960년대 중반에 그는 정치적으로 극좌파로 이동했습니다. 그의 후속 작품 중 상당수는 그의 급진적인 이상과 신조를 반영합니다. 다양한 음악 스타일이 눈부시며 그의 풍부한 상상력과 거침없는 성격을 보여줍니다. 그는 독일 작곡가일 뿐만 아니라 프랑스와 이탈리아 작곡가이기도 했습니다. 그는 Schoenberg, Stravinsky 또는 Chance 음악 스타일에 편안함을 느낍니다. 창작의 주요 특징은 서정적이고 소리와 색상이 풍부하다는 것입니다. 풍부하고 섬세한 보컬 컬러와 능숙한 합창 작사 실력을 겸비하고 있다.
컴퓨터에 로흐버그에 관한 기사가 있다(여러 음악 스타일의 충돌과 통합
로흐버그 피아노 모음곡 - 카니발 음악, IV. "스푸마토" 분석)
필요하다면 전해드릴 수도 있습니다.
'Planet' 모음곡은 전체 작품이 7개의 악장으로 나누어져 있으며, 9개의 행성을 기반으로 하고 있습니다. (당시 인류에게 알려지지 않았던 지구와 명왕성을 제외하고) 이름이 붙여졌습니다. 오케스트라 역시 규모가 매우 크며, 무대에서 거의 사용되지 않는 베이스 플루트, 베이스 오보에, 베이스 클라리넷, 베이스 바순, 테너 튜바 등 관악기를 비롯해 파이프 오르간과 수많은 타악기를 마지막으로 사용한다. 악장, 6성부 여성 합창(때때로 두 개의 독창 플루트으로 대체됨). 예를 들어, "화성" 악장에서 밴드의 전체 연주는 지진과 산이 흔들리는 기세를 보여줍니다. 그러나 아마도 "Planet" 모음곡 자체와 그 오케스트라가 너무 크기 때문에 이 작품 전체가 연주되는 경우는 거의 없으며 일반적으로 3~5악장만 연주되고 때로는 한 악장만 단독으로 연주되기도 합니다.
'행성' 모음곡의 의미에 관한 한, 이 작품은 천문학과는 아무런 관련이 없고, 단순히 고대 칼데아인, 중국인, 이집트인, 페르시아인에게 친숙한 점성술을 기반으로 한 것입니다. 홀스트는 1920년 노래 전체가 연주되었을 때 기자들에게 이렇게 말했습니다. "이 작품의 창작은 행성의 점성학적 중요성에서 영감을 받았습니다. 이 곡들은 타이틀 음악도 아니고 고대 신화와도 관련이 없습니다. 음악적 지침이 필요한 경우 , 특히 가장 넓은 의미에서 각 작품의 부제는 충분할 것입니다. 예를 들어 Jupiter Brings Common Joy 및 With와 같은 종교적 또는 국가적 축하와 관련된 일종의 의식적 기쁨은 신체의 쇠퇴뿐만 아니라 또한 가져옵니다. 이상의 실현을 표시합니다. 수성은 영혼의 상징입니다."
P. 하나의 운동 화성 - 전쟁의 메신저
홀스트는 세계의 발발 직전에 이 운동을 완료했습니다. 1914년 8월의 제1차 세계 대전. 따라서 일부 사람들은 작곡가의 음악이 임박한 전쟁에 대한 예언이라고 믿습니다. 실제로 이 악장의 음악, 특히 타악기와 현악기의 활이 연주하는 잔인하고 열정적인 크레센도 리듬은 사람들에게 군대의 행군에 대한 공격적인 긴박감과 힌트를 제공합니다. 악장의 첫 번째 주제는 바순과 프렌치 호른이 연주하는 우울하고 도발적인 것입니다.
음악 시작 부분의 특징적인 피아니시모(p) 리듬 패턴은 첫 번째 주제가 가까워질수록 점점 강렬해지고, 포르티시모(fff)에 도달하면 금관악기에서 터져 나온다. 두 번째 주제 운동의. 그 효과는 다음과 같이 요약할 수 있다. 살인적인 두 군대가 서로 접근하고, 사방에 칼과 칼이 있고, 마침내 접촉하게 되면 필연적으로 백병전이 벌어진다.
전쟁은 계속되었고, 오르간의 추가로 음악은 새로운 클라이막스에 이르렀다. 이때 B키 튜바와 C키 트럼펫이 행진하는 호른을 연주했다.
그러나 이것은 승리의 나팔이 아니다. 목관악기와 현악기가 낮고, 우울하고, 훌쩍이는 소리로 두 번째 주제를 펼치고, 각 주제의 잔인하고 잔혹한 재현이 펼쳐지면서 장면은 펼쳐진다. .더욱 스릴 넘치는 전쟁 장면.
제2악장 비너스 - 평화의 사자
이전 악장의 잔혹한 전쟁음악과의 대조로 인해 이 악장은 점점 평화로워진다. 번개와 천둥이 없는 낙원, 전쟁의 번잡함에서 벗어나 곳곳에 평화롭고 행복한 풍경이 있는 낙원을 연상시킨다. 악장의 시작 부분에서는 프렌치 호른이 상승하는 멜로디를 선보이고, 플루트와 오보에가 일련의 화음으로 화답합니다.
음악의 전개는 극도로 시적이다. 플루트와 프렌치 호른의 서스테인은 가을의 매미 울음소리와 같고, 두 하프의 현악기는 글로켄슈필과 피아노가 흐르는 맑은 물과 같다. 피아노의 하강하는 사운드 패턴은 마치 용수철이 솟아오르는 것과 같습니다. 이런 분위기 속에서 독주 바이올린이 감동적인 사랑 노래를 불렀고, 이후 전체 악장의 전개도 이 주제를 바탕으로 이루어졌다.
세 번째 악장 머큐리 - 플라잉 메신저
머큐리는 날개 달린 사자의 상징이자 도둑의 수호성인이라고 합니다. 따라서 이 악장의 음악은 매우 민첩합니다. 그리고 유연합니다. 프레스토 스케르초입니다. 뮤트된 현악기와 목관악기의 빠른 진행 패턴으로 악장이 시작되고, 이어서 오보에와 잉글리시 호른이 제1주제의 경쾌하고 경쾌한 선율을 선사한다. 이는 집집을 다니며 사람들에게 복음과 기쁨을 전하느라 바쁜 사자의 모습이라고 할 수 있습니다.
두 번째 주제의 멜로디는 민요 형식으로, 날아다니는 메신저의 도착과 그가 전하는 메시지를 축하하기 위해 사람들이 노래하고 춤추는 모습을 보여줍니다.
제4악장 Jupiter - The Messenger of Joy
다른 악장에 비해 이 악장은 웅장한 구상과 긴 길이를 갖고 있다. 전체 악장은 세 부분으로 나누어질 수 있는데, 첫 번째 부분은 바이올린의 빠른 활주로 시작되며, 첫 번째 주제는 엄청난 열정으로 터져나오며, 마치 천국을 불러오는 것 같습니다. 하늘.
즐거운 감정은 마치 장면처럼 끊임없이 오르락내리락합니다. 그리고 이러한 '장면'들 사이에는 항상 새로운 기쁨의 도래를 알리는 트럼펫과 같은 금관악기가 연주하는 행복한 고정관념이 있습니다. 악장의 두 번째 주제는 6개의 프렌치 호른과 현악기가 연주하는 노래하는 멜로디입니다.
세 번째 주제는 프렌치 호른이 먼저 연주한 뒤 목관악기, 현악, 금관을 오가는 품격 있는 포크댄스다.
2부에 들어서면 템포가 알레그로에서 안단테로 바뀌는데, 음악은 유난히 장엄하고 홀스트가 말하는 '의례적 기쁨'으로 가득 차 있다. 두 번째 부분 전체는 경건한 찬송가로 구성되어 있으며, 교회 합창단이 부른 찬송가를 연상시키는 설득력 있는 진행을 가지고 있습니다.
세 번째 부분은 알레그로 속도로 돌아가고, 세 가지 주제가 잠깐 재현된 후 다시 한 번 민속 축제 같은 클라이맥스를 열며 르카오는 장엄한 짧은 코다로 끝을 맺는다.
제5악장 새턴 - 노인의 메신저
'토성' 악장은 '플래닛' 모음곡에서 가장 흥미진진한 챕터 중 하나이며, 자주 연주되는 섹션이기도 하다 홀로. 플루트, 바순, 두 개의 하프가 연주하는 두 개의 인접한 음이 교대로 구성된 고정된 리듬으로 시작되는 이는 노인의 모호하고 느리고 단조로운 걸음걸이를 상징하기도 합니다. 힘. 쇠퇴의 초상화. 이러한 배경에서 더블베이스는 슬픈 모티브를 연주하며, 이는 점차 테너 트롬본이 연주하는 악장에서 유일한 주제로 발전합니다. 홀스트가 분명히 지적한 것처럼, 이 주제는 '신체의 쇠퇴'뿐만 아니라 '이상 실현'도 상징한다.
이 주제를 바탕으로 음악은 계층적인 변주곡을 전개합니다. 여기에는 깊은 생각과 희망, 장례식 행진의 리듬, 저녁기도의 종소리, 좋았고 행복했던 과거에 대한 회상이 있습니다.
6악장 천왕성 - 마술사
이 음악은 "플래닛" 모음곡의 멋진 악절이기도 합니다. 여기에서 홀스트는 색조의 변화, 편성 색상, 강도의 급격한 변화 등 현대적인 구성 기법을 사용하여 혼란스럽고 마술적인 효과를 얻습니다. 음악은 신비롭고 예측할 수 없으며 무섭고 불길한 마술사의 이미지인 금관악기로 연주되는 모티브로 시작됩니다.
악장의 주요 주제는 바순 스타카토가 연주하는 사악한 점프와 질주하는 멜로디로, 다른 악기 그룹이 대열에 합류하도록 유도합니다.
이번 '절름발이 행진'을 배경으로 두 가지 주제가 더 등장했는데, 전자는 바쁘고 후자는 오만했다.
음악은 점차 클라이막스에 도달했다가 갑자기 멈추면서 피콜로, 플루트, 클라리넷의 사소한 하강 사운드 패턴으로 변합니다. 조율이 맞지 않는 드럼의 신나는 리듬은 마술사의 새로운 주문인 듯하며, 새로운 섹션을 가져와 음악을 새로운 클라이막스로 끌어올린다.
갑자기 거대한 소리의 흐름을 막는 게이트 같은 이상한 슬라이드 소리가 오르간에서 들려와 리듬을 낮고 느리게 만들고, 클라이맥스를 몇 개의 길고 가는 음표로 바꿔 놓는다. 이 혼란스러운 분위기 속에서 운동은 끝난다.
제7악장 Neptune - Mystic
마지막 악장 'Neptune'은 사람들에게 평온함과 부드러움을 선사할 뿐만 아니라 신비로움과 아련함을 선사하는 우주 장면과 첫 번째 주제를 표현합니다. 무브먼트는 이 톤으로 구성됩니다.
홀스트는 첼레스타, 하프, 바이올린 아르페지오를 폭넓게 사용하여 혼란스럽고 마법 같은 장면을 성공적으로 표현했습니다. 음악이 안단테에서 알레그로 알레그로로 전환된 후 클라리넷은 인간의 목소리와 현악기의 조화를 동반하여 매우 부드럽게 두 번째 주제를 제시합니다.
홀스트는 자신이 원하는 효과를 내기 위해 악보에 코러스 배치에 대해 구체적으로 언급했다. “코러스는 무대와 인접한 방에 배치하고 문을 열어야 한다. 작품의 마지막 부분에서는 문이 조용히 조용히 닫히고 합창단, 문, 필요할 수 있는 보조 지휘자가 스크린으로 청중과 분리됩니다.”
(To be. 계속)